DADAISME

DADAISME
Dadaisme adalah sebuah pergerakan seni tampak dan sastera di Eropah yang lahir sebagai satu revolusi ganas terhadap kepuasan diri. Dalam aliran ini; pengutamaan terhadap nilai-nilai artistic telah diabaikan dan ia bersifat ‘anti-art’.
Pergerakan yang agak ekstrim ini memasukkan unsur-unsur jenaka yang kasar berserta nilai-nilai perangsangan dan pengejutan dalam usaha melibat reaksi masyarakat yng berpegang kepada nilai-nilai tradisi. Dadaisme lahir dari rasa untuk membebaskan diri daripada angan-angan. Mereka sedar bebas beranggapan, menyindir serta bertindak dalam suasana kekacauan penentangan terhadap pemerintah. Pusat aktivitinya di Cabaret Voltaire, Zurich.

Aliran yang bermula di Zurich pada 1915 itu kemudiannya merebak ke New York, Cologne, Paris dan negara-negara Eropah. Mereka juga membantah Peperangan Dunia Pertama dan masyarakat yang mencetuskannya. Mereka juga melahirkan seni tak bermakna untuk menunjukkan kekosongan hidup masyarakat moden. Tristan Tzara telah memperkenalkan isitlah DADA yang bermaksud HOBBY HORSE dalam Bahasa Perancis –‘an infantile sound’, yang diperoleh melalui tekanan pen secara sebarangan ke atas muka surat kamus.

Di awal kelahirannya, Dada tidak mendukung apa-apa stail artistic atau estetik yang tertentu. Kaedah dan manifestonya lebih ke arah Futurisme, walaupun kurang dengan prinsip-prinsip mekanik. Pada 1915, Marcel Duchamp memperkenalkan prinsip-prinsip Dada melalui pamerannya di New York dengan objek-objek yang di sebut ‘ready-mades as works of Art’. Pada 1919, Manifesto Dada dibentuk di Hannover. Selepas perang, pengaruh Dada menular ke Jerman menerusi pelukis-pelukis seperti Ernst, Grosz Schwitters.

Kekecohan dan krisis sosial menjadi gelanggang terbaik untuk aktiviti Dada bergerak. Prinsip-prinsip Dada diperbaiki menjadi asas-asas dalam mendukung kelahiran Surrealisme. Dada tidak mati di situ shaja, Neo-Dada Art lahir di New York di akhir-akhir 1950 an dan 1960 an dengan karya-karya berbentuk assemblage.
Contoh
1. Jean Arp ‘Mountain Table Anchors Navel’ (1925)
2. Max Ernst ‘The Elephant of the Gelebes’ (1921).
3. Marcel Duchamp ‘Bottle Rack’ (1914), ‘L.H.O.O.Q’ (1919)

SENI POP ART

POP ART
Pop Art berkisar kepada hasil kebudayaan popular yang bersifat komersil dan materialistic. Kalau sebelumnya terdapat tanggapan yang membezakan ‘seni gunaan’, ‘seni dagangan’ dengan ‘seni tulen’ yang dipamerkan di galeri, Pop Art memihak kepada seni yang dianggap rendah. Lantas lahirlah karya seni berdasarkan imajan-imajan biasa seperti komik, kartun dan iklan. Jelasnya, subjek Pop Art bukan berdasarkan imajan-imajan biasa seperti komik, kartun dan iklan. Jelasnya, subjek Pop Art berdasarkan idea klasik atau agama, sejarah atau keindahan alam, tetapi sesuatu yang biasa dalam kehidupan masyarakat sekarang. Misalnya imajan-imajan tin sup, botol, keratan komik yang diperbesarkan, barang makanan, pakaian potret bintang filem. Aliran yang bermula di England pada pertengahan 1950an itu menular ke Amerika Syarikat dan berkembang pesat dalam dekad enam puluhan.

Pop Art merangkumi kepentingan sekeliling serta keadaan semulajadi karya seni yang telah dihasilkan. Ia mencerminkan keadaan sekeliling pengguna dan kawasanny. Jurucakap pergerakan, David Sylvester memetik huraian Roy Lichtenstein bahawa Pop Art adalah unsur-unsur dalam budaya, sesuatu yang kita benci, tetapi mempunyai pengaruh yang kuat ke atas kita (Osborne, Harold. 1979;894).

Istilah Pop Art telah dicipta oleh pengkritik Inggeris Lawrence Alloway untuk satu pergerakan atau kumpulan yang menggelar diri mereka independenc Group (1954-1955 (English Pop Art). Di Amerika Syarikat, Pop Art lahir di New York sekitar 1959 dan berkembang ke seluruh Amerika dan Eropah, Robert Rauschenberg dan Jasper Johns dianggap sebagai pelukis PopArt pertama di Amerika. Di Amerika juga, Pop Art dianggap sebagai reaksi kepada Abstrak Ekspressionisme bila ia menggunakan imej bergambar serta teknik-teknik ‘hard-edged’ dan fotografi. Ini disebut sebagi kembali kepada imej bergambar.

Pop Art juga dianggap sebagai Neo-Dadaists bila menggunakan subjek-subjek biasa seperti komik, tin sup, penanda lebuhraya yang mana punya persamaan dengan karya-karya Marcel Duchmp (Ready-mades as works or art 1915-1920-keadaan semulajadi karya seni yang telah dihasilkan).

Diantara pelukis-pelukis Pop Art Amerika ialah Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Andy Warhol Roy Lichtenstein dan Tom Wesselmann. Sementara pelukis Pop Art British seperti Richard Hamilton, David Hockney, Peter Blakd dan Allen Jones.

Pelbagai kaedah berkarya telah diambil oleh para pelukis Pop Art. Jasper Johns menghasilkan catan dengan imej bendera, arca daripada tin-tin bird dan mentol lampu. Robert Rauschenberg mengunakan kolaj serta gabungan dengan botol-botol coke, gambar-gambar dari akhbar dan majalah. Pelukis Pop juga memasukkan teknik-teknik konvensional yang lebih diminati dari teknik-teknik catan Jasper John dan Rauschenberg. Misalnya Andy Warhol menggunakan sutera saring terhadap imej-imej tin sup, kerusi elektrik, potret Marilyn Monroe serta bunga-bunga. Roy Lichtenstein menggunakan petikan-petikan dari komik, sementara Tom Wesselmann terkenal dengan karya-karya alam benda serta ‘Great American Nudes’. James Rosenquist, Robert Indiana, Jim Dine dan Larry Rivers menyatukan subjek biasa dengan teknik-teknik catan.

Pengarca Pop Art seperti Claes Oldenburg menggunakan subjek seperti kon ais krim dan Hamburger. Georges Segal juga tergolong sebagai pengarca Pop Art.
Contoh
1. Jasper Johns ‘Target With Four Faces’ (1955)
2. Larry River ‘Europe II’ (1956)
3. Andy Warhol ‘Marilyn Monroe’ (1962)
4. Roy Lichtenstein ‘Balm’ (1962)
5. Robert Rausehenberg ‘Trapeze’ (1964)
6. James Rosenquest ‘FO111’ (1965)
7. Claes Oldenburg ‘Model (Ghost) Typewriter’ (1963)

Lukisan Berdasarkan Panduan

Lukisan Berpandukan Gambar Realiti

Proses Penghasilan Lukisan

Proses Penghasilan Lukisan

1. Meneliti secara keseluruhan benda atau imej.
2. Melihat kedudukan imej yang yang hendak dilukis mengikut aras mata.
3. Melakar rupa asas benda atau imej yang hendak dilukis.
4. Meneliti arah cahaya untuk menampakkan unsur ruang pada subjek yang dikehendaki
serta memahami jarak sesuatu benda yang wujud dalam ruang perspektif
5. Mengaplikasikan unsur seni reka seperti jalinan, bentuk dan tona warna serta
prinsip seni reka seperti keseimbangan, penegasan, kesatuan, dan harmoni.

Kualiti Garisan

Kualiti Garisan

Kualiti garisan merujuk kepada setiap sifat garisan yang dihasilkan semasa melukis. Pelukis akan menentukan setiap garisan yang akan dibuat sama ada garisan tegas tanpa banyak variasi, variasi dalam pemberatan seperti pada lukisan kontour, garisan berulang-ulang (semacam pergerakan/ritma)-pergerakan fizikal.

Jelasnya kualiti garisan tidak menggambarkan tenaga gestural yang terhasil dari strok pensel (kekuatan tekanan yang diberi) atau arang atau medium yang lain semasa melukis. Garisan yang dihasilkan melalui lukisan menjadikan kualiti ini sebagai faktor penting dalam menentukan karektor ekspresif kepada imej terutamanya dalam lukisan kontour dan hatching.

Elemen Dalam Seni Visual

Dasar Organisasi (Seven Principles of Organization)

Kadar Banding

Kadarbanding
Kadarbanding adalah berkenaan nisbah bahagian-bahagian tubuh individu atau objek. Di dalam karya seni visual, perhubungan bahagian-bahagian tubuh manusia adalah sukar untuk di ukur dengan tepat kerana kadarbanding adalah penilaian peribadi. Bahagian-bahagian dalam kadarbanding ini dianggap berkaitan mengenai keseluruhan dan apabila digabungkan bahagian-bahagian tersebut menghasilkan harmoni dan imbangan.Dengan meletakkan tubuh lelaki di dalam rajah bulatan dan segi empat sama, Leonardo Da Vinci menyiasat tentang perhubungan kadarbanding bagi kepala, badan, tangan dan kaki.

Pergerakan
Tatkala memerhatikan karya seni visual, kita seperti membuat satu pengembaraan. Seniman adalah pengarah yang membuatkan mata pemerhati begerak dengan selesa dan menmperolehi maklumat. Garisan dan rupabentuk (kebiasaannya yang panjang) dan rupabentuk berkontour kebiasaanya memberi penegasan ke arah yang sama. Arca kinetik atau bergerak wujud tetapi kebanyakan arca dan permukaan gambar adalah statik.

Ekonomi
Artis akan mendapati bahawa jawapan kepada masalah visual yang pelbagai adalah wujudnya kerumitan yang tidak penting. Kadangkala artis hanya melibatkan sesuatu yang penting, menghapuskan penerangan detail, dan mengaitkan perkara tertentu kepada keseluruhan.
Ekonomi selalunya berkaitan dengan aspek ‘abstrak’. Abstrak adalah berkaitan dengan proses pengurangan kepada keperluan yang penting, berdasarkan stail ekspresi artis. Ekonomi dapat dilihat di dalam stail seni kontemparari seperti karya Pablo Picasso di bawah.

Harmoni
Harmoni boleh dianggap sebagai faktor kepada pertalian yang teratur – berkaitan dengan bahagian-bahagian di dalam gambar. Pengulangan elemen seperti warna, jalinan, nilai dan sebagainya memberi penyesuaian kepada pertentangan yang wujud. Irama yang stabil wujud apabila unit-unit visual yang teratur diulang-ulang. Harmoni adalah kandungan kesatuan.
Pengulangan bermaksud perkara tertentu yang diulang-ulang. Pengulangan tidak semestinya memerlukan aspek yang sama tatapi boleh juga yang seiras atau hampir sama. Konsep pada corak boleh dianggap sebagai pengulangan. Pengulangan yang biasa pada corak boleh digunakan untuk mencipta harmoni dan irama.Konsep motif hampir berkaitan dengan corak. Perbezaannya apabila satu unit dasar atau corak yang asli diberi pengulangan, ia dirujuk sebagai satu motif. Pengulangan dirujuk kepada kemampuannya menghasilkan irama.


Kepelbagaian
Kepelbagaian adalah mengimbangi harmoni. Sedang artis menghasilkan penyatuan kepada harmoni. Dengan kepelbagaian pula artis mencapai aspek individuliti dan minat. Minat merujuk kepada kemampuan membangkitkan perasaan ingin tahu dan mengekalkan perhatian pemerhati. Hal yang membangkitkan minat kepada visual adalah hasil penambahan kepelbagaian kepada komponen bergambar. Kepelbagaian diperolehi dengan penggunaan kontras dan perincian.Kontras berlaku apabila elemen diulang2 dengan cara menjadikan ia nampak tiada kaitan; beberapa garisan lebar di dalam kawasan yang sempit. Perincian adalah cara lain kepelbagaian atau ketidaksamaan diwujudkan ke bahagian yang ketiadaan menarik di dalam visual. Ia boleh dianggap sebagai penambahan detail atau hiasan di sesuatu bahagian.

Imbangan
Di dalam seni kita berhadapan dengan imbangan bagi perkara yang berkaitan dengan tarikan graviti. Kebanyakan karya seni dipandang di dalam orientasi menegak iaitu berhubung dengan pandangan atas, tepi dan bawah. Imbangan bagi kandungan visual diperolehi secara menyeimbangkan tarikan ke bawah graviti komponen tersebut. Contohnya, bola yang yang diletakkan di bahagian atas kawasan gambar menghasilkan keadaan tegang, memberi aggapan bahawa graviti akan menyebabkan bola itu jatuh. Bola yang diletakkan di bawah atau di atas garis dasar menghasilkan keadaan tenang, Tiada tindakan berlaku oleh graviti.Artis menyeimbangkan keadaan mendatar, menegak dan jejarian dalam semua arah dan posisi. Berbagai faktor seperti posisi, saiz, kadar, sifat, dan arah yang digabungkan dalam elemen, menghasilkan imbangan di dalam karya seni. Sekiranya dua rupa yang sama diletakkan bersebelahan di bahagian kiri gambar, karya itu akan kelihatan tidak seimbang pada bahagian kanan.

Studio Lukisan

Studio Seni Lukis

Seni Lukis adalah seni menyusun pigmen di atas bidang (kanvas, kertas, kayu, tembok, dan lain sebagainya) untuk menghasilkan efek-efek : a) representasi obyek atau pemandangan, baik melalui alam maupun imajinasi, b) komposisi tekstur, garis, raut dan warna , c) bentuk dengan makna simbolik, d) kecenderungan abstrak melalui alam atau pengalaman manusia.
Dari 1983, Studio Seni Lukis menerapkan pendekatan pengajaran yang secara konseptual menampung kecenderungan utama penciptaan seni. Kecenderungan utama itu terdiri dari 4 konsep, yaitu mimesis-behavioris, formalisme-gestalt, simbolis-kognitif dan ekspresif-psikoanalisis. Pendekatan mimesis-behavioris diasumsikan sudah diberikan di TPB dalam kuliah-kuliah menggambar, oleh karena itu, tiga konsep lainnya yang dijadikan inti konsep pendidikan.

Penguasaan ketiga prinsip utama diberikan ditahap pengenalan pada kuliah kerja studio 211 dan 212 prinsip formalisme dikenalkan pada semester pertama, sedang prinsip simbolisme dan ekspresivisme di semester ke dua. Dalam hal ini, mahasiswa diasumsikan sebagai wadah yang masih kosong, sehingga perlu dikenalkan dengan tiga prinsip utama penciptaan seni. Dalam formalisme mahasiswa secara intensif mengenal bahasa rupa yang murni lewat garis, warna, raut dan tekstur dalam susunan lukisan yang bermakna . Dalam simbolisme, mahasiswa mencipta lukisan melalui pengorganisasian citra dan bahasa semantik. Melalui pendekatan ekspresivisme, mahasiswa mengenal cara pengungkapan dorongan emosi secara spontan dan intensif. Sebagai pengenalan, pola pembelajaran ditahap ini bersifat instruksional, meskipun dalam hal ini masih terdapat ruang pengembangan ide pribadi yang cukup luas.
Tahap berikut, pada kerja studio SM 311 dan SM 312, mahasiswa memasuki memasuki tahap pencarian atau penjelajahan (eksplorasi) . Disini, mahasiswa diberi kebebasan yang luas untuk mencari gaya, medium dan teknik yang sesuai dengan dirinya, seorang mahasiswa bisa memilih salah satu dari ke tiga prinsip yang ia pelajari pada tahap pengenalan, atau melakukan kombinasi antara dua atau tiga pendekatan. Mereka juga bebas memilih medium teknik, bahkan tidak jarang mahasiswa melakukan eksplorasi ke arah kolase atau menggarap ruang yang mengarah ke instalasi . Kemungkinan seperti itu terbuka karena karya instalasi bisa saja dicipta dengan pendekatan formal, simbolis, ekspresif atau kombinasi dari dua atau ke tiganya sekaligus. Selanjutnya, pada kerja studio SM 411, mahasiswa melakukan pendalaman atas penemuannya pada tahap eksplorasi. Waktu pendalaman selama satu semester itu, dimaksud untuk persiapan Tugas Akhir. Dalam tahap ini, mahasiswa telah mampu menyelaraskan antara konsep berkarya dan karyanya pada tingkat yang dapat dipertanggungjawabkan. Berikutnya, mahasiswa siap memasuki Tugas Akhir dan bekerja secara mandiri.

Konsep pendidikan seni secara bertahap itu juga sejalan dengan teori proses kreatif. Dalam psikologi, kreativitas dilihat sebagi kumpulan berbagai kemampuan yang berbeda.
Kemampuan itu meliputi tiga daya yang juga berjenjang yaitu kemampuan untuk mengekspresikan diri dengan lancar (fluency), kemampuan untuk bersikap luwes (flexibility) dan kemampuan menghasilkan keaslian (originality) . Ke tiga kemampuan itu, jika disejajarkan dengan tahap-tahap kerja studio, menjadi tahap pengenalan - kelancaran, tahap pencarian - keluwesan dan tahap pendalaman- keaslian