DADAISME
Dadaisme adalah sebuah pergerakan seni tampak dan sastera di Eropah yang lahir sebagai satu revolusi ganas terhadap kepuasan diri. Dalam aliran ini; pengutamaan terhadap nilai-nilai artistic telah diabaikan dan ia bersifat ‘anti-art’.
Pergerakan yang agak ekstrim ini memasukkan unsur-unsur jenaka yang kasar berserta nilai-nilai perangsangan dan pengejutan dalam usaha melibat reaksi masyarakat yng berpegang kepada nilai-nilai tradisi. Dadaisme lahir dari rasa untuk membebaskan diri daripada angan-angan. Mereka sedar bebas beranggapan, menyindir serta bertindak dalam suasana kekacauan penentangan terhadap pemerintah. Pusat aktivitinya di Cabaret Voltaire, Zurich.
Aliran yang bermula di Zurich pada 1915 itu kemudiannya merebak ke New York, Cologne, Paris dan negara-negara Eropah. Mereka juga membantah Peperangan Dunia Pertama dan masyarakat yang mencetuskannya. Mereka juga melahirkan seni tak bermakna untuk menunjukkan kekosongan hidup masyarakat moden. Tristan Tzara telah memperkenalkan isitlah DADA yang bermaksud HOBBY HORSE dalam Bahasa Perancis –‘an infantile sound’, yang diperoleh melalui tekanan pen secara sebarangan ke atas muka surat kamus.
Di awal kelahirannya, Dada tidak mendukung apa-apa stail artistic atau estetik yang tertentu. Kaedah dan manifestonya lebih ke arah Futurisme, walaupun kurang dengan prinsip-prinsip mekanik. Pada 1915, Marcel Duchamp memperkenalkan prinsip-prinsip Dada melalui pamerannya di New York dengan objek-objek yang di sebut ‘ready-mades as works of Art’. Pada 1919, Manifesto Dada dibentuk di Hannover. Selepas perang, pengaruh Dada menular ke Jerman menerusi pelukis-pelukis seperti Ernst, Grosz Schwitters.
Kekecohan dan krisis sosial menjadi gelanggang terbaik untuk aktiviti Dada bergerak. Prinsip-prinsip Dada diperbaiki menjadi asas-asas dalam mendukung kelahiran Surrealisme. Dada tidak mati di situ shaja, Neo-Dada Art lahir di New York di akhir-akhir 1950 an dan 1960 an dengan karya-karya berbentuk assemblage.
Contoh
1. Jean Arp ‘Mountain Table Anchors Navel’ (1925)
2. Max Ernst ‘The Elephant of the Gelebes’ (1921).
3. Marcel Duchamp ‘Bottle Rack’ (1914), ‘L.H.O.O.Q’ (1919)
Thursday, November 5, 2009
DADAISME
SENI POP ART
POP ART
Pop Art berkisar kepada hasil kebudayaan popular yang bersifat komersil dan materialistic. Kalau sebelumnya terdapat tanggapan yang membezakan ‘seni gunaan’, ‘seni dagangan’ dengan ‘seni tulen’ yang dipamerkan di galeri, Pop Art memihak kepada seni yang dianggap rendah. Lantas lahirlah karya seni berdasarkan imajan-imajan biasa seperti komik, kartun dan iklan. Jelasnya, subjek Pop Art bukan berdasarkan imajan-imajan biasa seperti komik, kartun dan iklan. Jelasnya, subjek Pop Art berdasarkan idea klasik atau agama, sejarah atau keindahan alam, tetapi sesuatu yang biasa dalam kehidupan masyarakat sekarang. Misalnya imajan-imajan tin sup, botol, keratan komik yang diperbesarkan, barang makanan, pakaian potret bintang filem. Aliran yang bermula di England pada pertengahan 1950an itu menular ke Amerika Syarikat dan berkembang pesat dalam dekad enam puluhan.
Pop Art merangkumi kepentingan sekeliling serta keadaan semulajadi karya seni yang telah dihasilkan. Ia mencerminkan keadaan sekeliling pengguna dan kawasanny. Jurucakap pergerakan, David Sylvester memetik huraian Roy Lichtenstein bahawa Pop Art adalah unsur-unsur dalam budaya, sesuatu yang kita benci, tetapi mempunyai pengaruh yang kuat ke atas kita (Osborne, Harold. 1979;894).
Istilah Pop Art telah dicipta oleh pengkritik Inggeris Lawrence Alloway untuk satu pergerakan atau kumpulan yang menggelar diri mereka independenc Group (1954-1955 (English Pop Art). Di Amerika Syarikat, Pop Art lahir di New York sekitar 1959 dan berkembang ke seluruh Amerika dan Eropah, Robert Rauschenberg dan Jasper Johns dianggap sebagai pelukis PopArt pertama di Amerika. Di Amerika juga, Pop Art dianggap sebagai reaksi kepada Abstrak Ekspressionisme bila ia menggunakan imej bergambar serta teknik-teknik ‘hard-edged’ dan fotografi. Ini disebut sebagi kembali kepada imej bergambar.
Pop Art juga dianggap sebagai Neo-Dadaists bila menggunakan subjek-subjek biasa seperti komik, tin sup, penanda lebuhraya yang mana punya persamaan dengan karya-karya Marcel Duchmp (Ready-mades as works or art 1915-1920-keadaan semulajadi karya seni yang telah dihasilkan).
Diantara pelukis-pelukis Pop Art Amerika ialah Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Andy Warhol Roy Lichtenstein dan Tom Wesselmann. Sementara pelukis Pop Art British seperti Richard Hamilton, David Hockney, Peter Blakd dan Allen Jones.
Pelbagai kaedah berkarya telah diambil oleh para pelukis Pop Art. Jasper Johns menghasilkan catan dengan imej bendera, arca daripada tin-tin bird dan mentol lampu. Robert Rauschenberg mengunakan kolaj serta gabungan dengan botol-botol coke, gambar-gambar dari akhbar dan majalah. Pelukis Pop juga memasukkan teknik-teknik konvensional yang lebih diminati dari teknik-teknik catan Jasper John dan Rauschenberg. Misalnya Andy Warhol menggunakan sutera saring terhadap imej-imej tin sup, kerusi elektrik, potret Marilyn Monroe serta bunga-bunga. Roy Lichtenstein menggunakan petikan-petikan dari komik, sementara Tom Wesselmann terkenal dengan karya-karya alam benda serta ‘Great American Nudes’. James Rosenquist, Robert Indiana, Jim Dine dan Larry Rivers menyatukan subjek biasa dengan teknik-teknik catan.
Pengarca Pop Art seperti Claes Oldenburg menggunakan subjek seperti kon ais krim dan Hamburger. Georges Segal juga tergolong sebagai pengarca Pop Art.
Contoh
1. Jasper Johns ‘Target With Four Faces’ (1955)
2. Larry River ‘Europe II’ (1956)
3. Andy Warhol ‘Marilyn Monroe’ (1962)
4. Roy Lichtenstein ‘Balm’ (1962)
5. Robert Rausehenberg ‘Trapeze’ (1964)
6. James Rosenquest ‘FO111’ (1965)
7. Claes Oldenburg ‘Model (Ghost) Typewriter’ (1963)
Wednesday, October 28, 2009
Tuesday, October 27, 2009
Proses Penghasilan Lukisan
Proses Penghasilan Lukisan
1. Meneliti secara keseluruhan benda atau imej.
2. Melihat kedudukan imej yang yang hendak dilukis mengikut aras mata.
3. Melakar rupa asas benda atau imej yang hendak dilukis.
4. Meneliti arah cahaya untuk menampakkan unsur ruang pada subjek yang dikehendaki
serta memahami jarak sesuatu benda yang wujud dalam ruang perspektif
5. Mengaplikasikan unsur seni reka seperti jalinan, bentuk dan tona warna serta
prinsip seni reka seperti keseimbangan, penegasan, kesatuan, dan harmoni.
Kualiti Garisan
Kualiti Garisan
Kualiti garisan merujuk kepada setiap sifat garisan yang dihasilkan semasa melukis. Pelukis akan menentukan setiap garisan yang akan dibuat sama ada garisan tegas tanpa banyak variasi, variasi dalam pemberatan seperti pada lukisan kontour, garisan berulang-ulang (semacam pergerakan/ritma)-pergerakan fizikal.
Jelasnya kualiti garisan tidak menggambarkan tenaga gestural yang terhasil dari strok pensel (kekuatan tekanan yang diberi) atau arang atau medium yang lain semasa melukis. Garisan yang dihasilkan melalui lukisan menjadikan kualiti ini sebagai faktor penting dalam menentukan karektor ekspresif kepada imej terutamanya dalam lukisan kontour dan hatching.
Elemen Dalam Seni Visual
Kadar Banding
Kadarbanding
Kadarbanding adalah berkenaan nisbah bahagian-bahagian tubuh individu atau objek. Di dalam karya seni visual, perhubungan bahagian-bahagian tubuh manusia adalah sukar untuk di ukur dengan tepat kerana kadarbanding adalah penilaian peribadi. Bahagian-bahagian dalam kadarbanding ini dianggap berkaitan mengenai keseluruhan dan apabila digabungkan bahagian-bahagian tersebut menghasilkan harmoni dan imbangan.Dengan meletakkan tubuh lelaki di dalam rajah bulatan dan segi empat sama, Leonardo Da Vinci menyiasat tentang perhubungan kadarbanding bagi kepala, badan, tangan dan kaki.
Pergerakan
Tatkala memerhatikan karya seni visual, kita seperti membuat satu pengembaraan. Seniman adalah pengarah yang membuatkan mata pemerhati begerak dengan selesa dan menmperolehi maklumat. Garisan dan rupabentuk (kebiasaannya yang panjang) dan rupabentuk berkontour kebiasaanya memberi penegasan ke arah yang sama. Arca kinetik atau bergerak wujud tetapi kebanyakan arca dan permukaan gambar adalah statik.
Ekonomi
Artis akan mendapati bahawa jawapan kepada masalah visual yang pelbagai adalah wujudnya kerumitan yang tidak penting. Kadangkala artis hanya melibatkan sesuatu yang penting, menghapuskan penerangan detail, dan mengaitkan perkara tertentu kepada keseluruhan.
Ekonomi selalunya berkaitan dengan aspek ‘abstrak’. Abstrak adalah berkaitan dengan proses pengurangan kepada keperluan yang penting, berdasarkan stail ekspresi artis. Ekonomi dapat dilihat di dalam stail seni kontemparari seperti karya Pablo Picasso di bawah.
Harmoni
Harmoni boleh dianggap sebagai faktor kepada pertalian yang teratur – berkaitan dengan bahagian-bahagian di dalam gambar. Pengulangan elemen seperti warna, jalinan, nilai dan sebagainya memberi penyesuaian kepada pertentangan yang wujud. Irama yang stabil wujud apabila unit-unit visual yang teratur diulang-ulang. Harmoni adalah kandungan kesatuan.
Pengulangan bermaksud perkara tertentu yang diulang-ulang. Pengulangan tidak semestinya memerlukan aspek yang sama tatapi boleh juga yang seiras atau hampir sama. Konsep pada corak boleh dianggap sebagai pengulangan. Pengulangan yang biasa pada corak boleh digunakan untuk mencipta harmoni dan irama.Konsep motif hampir berkaitan dengan corak. Perbezaannya apabila satu unit dasar atau corak yang asli diberi pengulangan, ia dirujuk sebagai satu motif. Pengulangan dirujuk kepada kemampuannya menghasilkan irama.
Kepelbagaian
Kepelbagaian adalah mengimbangi harmoni. Sedang artis menghasilkan penyatuan kepada harmoni. Dengan kepelbagaian pula artis mencapai aspek individuliti dan minat. Minat merujuk kepada kemampuan membangkitkan perasaan ingin tahu dan mengekalkan perhatian pemerhati. Hal yang membangkitkan minat kepada visual adalah hasil penambahan kepelbagaian kepada komponen bergambar. Kepelbagaian diperolehi dengan penggunaan kontras dan perincian.Kontras berlaku apabila elemen diulang2 dengan cara menjadikan ia nampak tiada kaitan; beberapa garisan lebar di dalam kawasan yang sempit. Perincian adalah cara lain kepelbagaian atau ketidaksamaan diwujudkan ke bahagian yang ketiadaan menarik di dalam visual. Ia boleh dianggap sebagai penambahan detail atau hiasan di sesuatu bahagian.
Imbangan
Di dalam seni kita berhadapan dengan imbangan bagi perkara yang berkaitan dengan tarikan graviti. Kebanyakan karya seni dipandang di dalam orientasi menegak iaitu berhubung dengan pandangan atas, tepi dan bawah. Imbangan bagi kandungan visual diperolehi secara menyeimbangkan tarikan ke bawah graviti komponen tersebut. Contohnya, bola yang yang diletakkan di bahagian atas kawasan gambar menghasilkan keadaan tegang, memberi aggapan bahawa graviti akan menyebabkan bola itu jatuh. Bola yang diletakkan di bawah atau di atas garis dasar menghasilkan keadaan tenang, Tiada tindakan berlaku oleh graviti.Artis menyeimbangkan keadaan mendatar, menegak dan jejarian dalam semua arah dan posisi. Berbagai faktor seperti posisi, saiz, kadar, sifat, dan arah yang digabungkan dalam elemen, menghasilkan imbangan di dalam karya seni. Sekiranya dua rupa yang sama diletakkan bersebelahan di bahagian kiri gambar, karya itu akan kelihatan tidak seimbang pada bahagian kanan.
Studio Lukisan
Studio Seni Lukis
Seni Lukis adalah seni menyusun pigmen di atas bidang (kanvas, kertas, kayu, tembok, dan lain sebagainya) untuk menghasilkan efek-efek : a) representasi obyek atau pemandangan, baik melalui alam maupun imajinasi, b) komposisi tekstur, garis, raut dan warna , c) bentuk dengan makna simbolik, d) kecenderungan abstrak melalui alam atau pengalaman manusia.
Dari 1983, Studio Seni Lukis menerapkan pendekatan pengajaran yang secara konseptual menampung kecenderungan utama penciptaan seni. Kecenderungan utama itu terdiri dari 4 konsep, yaitu mimesis-behavioris, formalisme-gestalt, simbolis-kognitif dan ekspresif-psikoanalisis. Pendekatan mimesis-behavioris diasumsikan sudah diberikan di TPB dalam kuliah-kuliah menggambar, oleh karena itu, tiga konsep lainnya yang dijadikan inti konsep pendidikan.
Penguasaan ketiga prinsip utama diberikan ditahap pengenalan pada kuliah kerja studio 211 dan 212 prinsip formalisme dikenalkan pada semester pertama, sedang prinsip simbolisme dan ekspresivisme di semester ke dua. Dalam hal ini, mahasiswa diasumsikan sebagai wadah yang masih kosong, sehingga perlu dikenalkan dengan tiga prinsip utama penciptaan seni. Dalam formalisme mahasiswa secara intensif mengenal bahasa rupa yang murni lewat garis, warna, raut dan tekstur dalam susunan lukisan yang bermakna . Dalam simbolisme, mahasiswa mencipta lukisan melalui pengorganisasian citra dan bahasa semantik. Melalui pendekatan ekspresivisme, mahasiswa mengenal cara pengungkapan dorongan emosi secara spontan dan intensif. Sebagai pengenalan, pola pembelajaran ditahap ini bersifat instruksional, meskipun dalam hal ini masih terdapat ruang pengembangan ide pribadi yang cukup luas.
Tahap berikut, pada kerja studio SM 311 dan SM 312, mahasiswa memasuki memasuki tahap pencarian atau penjelajahan (eksplorasi) . Disini, mahasiswa diberi kebebasan yang luas untuk mencari gaya, medium dan teknik yang sesuai dengan dirinya, seorang mahasiswa bisa memilih salah satu dari ke tiga prinsip yang ia pelajari pada tahap pengenalan, atau melakukan kombinasi antara dua atau tiga pendekatan. Mereka juga bebas memilih medium teknik, bahkan tidak jarang mahasiswa melakukan eksplorasi ke arah kolase atau menggarap ruang yang mengarah ke instalasi . Kemungkinan seperti itu terbuka karena karya instalasi bisa saja dicipta dengan pendekatan formal, simbolis, ekspresif atau kombinasi dari dua atau ke tiganya sekaligus. Selanjutnya, pada kerja studio SM 411, mahasiswa melakukan pendalaman atas penemuannya pada tahap eksplorasi. Waktu pendalaman selama satu semester itu, dimaksud untuk persiapan Tugas Akhir. Dalam tahap ini, mahasiswa telah mampu menyelaraskan antara konsep berkarya dan karyanya pada tingkat yang dapat dipertanggungjawabkan. Berikutnya, mahasiswa siap memasuki Tugas Akhir dan bekerja secara mandiri.
Konsep pendidikan seni secara bertahap itu juga sejalan dengan teori proses kreatif. Dalam psikologi, kreativitas dilihat sebagi kumpulan berbagai kemampuan yang berbeda.
Kemampuan itu meliputi tiga daya yang juga berjenjang yaitu kemampuan untuk mengekspresikan diri dengan lancar (fluency), kemampuan untuk bersikap luwes (flexibility) dan kemampuan menghasilkan keaslian (originality) . Ke tiga kemampuan itu, jika disejajarkan dengan tahap-tahap kerja studio, menjadi tahap pengenalan - kelancaran, tahap pencarian - keluwesan dan tahap pendalaman- keaslian
POP ART
Pop art is a visual art movement that emerged in the mid 1950s in Britain and in parallel in the late 1950s in the United States. The coinage of the term Pop Art is often credited to British art critic/curator, Lawrence Alloway in an essay titled The Arts and the Mass Media, although the term he uses is "popular mass culture" Nevertheless, Alloway was one of the leading critics to defend mass culture and Pop Art as a legitimate art form. Pop art is one of the major art movements of the twentieth century. Characterized by themes and techniques drawn from popular mass culture, such as advertising and comic books, pop art is widely interpreted as either a reaction to the then-dominant ideas of abstract expressionism or an expansion upon them. Pop art, like pop music, aimed to employ images of popular as opposed to elitist culture in art, emphasizing the banal or kitschy elements of any given culture. It has also been defined by the artists' use of mechanical means of reproduction or rendering techniques that downplay the expressive hand of the artist. Pop art at times targeted a broad audience and often claimed to do so.
Much of pop art is considered very academic, as the unconventional organizational practices that are often used make it difficult for some to comprehend. Pop art and minimalism are considered to be the last modern art movements and thus the precursors to postmodern art, or some of the earliest examples of postmodern art themselves.
Apa Itu Seni?
What Is Visual Art?
The visual arts are those creations we can look at, such as a drawing or a painting. Here is a partial list:# drawing
# painting
# sculpture
# architecture
# photography
# film
# printmaking
And the decorative arts of
# ceramics
# furniture and interior design
# jewelry making
# metal crafting
# wood working
Any one of these disciplines is a type of visual art.
This is the simple explanation. You can stop reading right here, confident that you know what the visual arts are. Or you can keep reading and get a bit of background on that often-abused phrase "The Arts".
"The Arts", as a term, has an interesting history. During the Middle Ages, The Arts were very scholarly, limited to seven in number and did not involve creating anything at which people looked. They were:
* grammar
* rhetoric
* dialectic logic
* arithmetic
* geometry
* astronomy
* music
To further confuse matters, these seven Arts were known as the Fine Arts, in order to distinguish them from the "Useful Arts". Why? Only "fine" people - those who didn't do manual labor - studied them. (Presumably, the Useful Arts people were too busy being useful to have need of an education.)
At some point in the ensuing centuries, people realized there was a difference between a science and an art. The phrase Fine Arts came to mean anything that had been created to please the senses. After losing the sciences, the list now included music, dance, opera and literature, as well as what we normally think of as "art": painting, sculpture, architecture and the decorative arts.
That list of Fine Arts got a little long, didn't it? Apparently others thought so, too, because during the 20th-century we started to split the Fine Arts up into Visual Arts (painting, sculpture, etc.), Auditory Arts (music, drama, spoken literature) and Performance Arts (which can be either visual, auditory or a combination of the two - but are performed).
Within the world of the visual arts, people still make distinctions between "Fine" art and everything else - and it gets really confusing, at times.For instance, we'll talk about painting and sculpture, and automatically classify these as Fine Arts. The decorative arts, which are, sometimes, of a finer nature and craftsmanship than Fine arts, are not called "Fine".
Additionally, visual artists sometimes refer to themselves (or are referred to, by others) as fine artists, as opposed to commercial artists. But! Some commercial art is really wonderful - "Fine".And, since an artist needs to sell art in order to remain a working artist (unless his or her grandfather invented, say, Velcro, and he or she exists off a trust fund or two), a strong argument could be made that most art is commercial.
It would really simplify matters if we could all just stick with visual, auditory, performance or literary - when we speak of The Arts - and eliminate "Fine" altogether. Substitute instead the words "good" and "bad", with the huge understanding that 6.3 billion people are going to have 6.3 billion different opinions on that which constitutes each. Life, however, will never be that simple - much less Art.
GARISAN Dalam unsur-unsur Seni
Elemen Seni Visual
Unsur-Unsur SeniGarisan
Jalinan
Rupa
Bentuk
Ruang
Warna
Garisan
Garisan adalah salah satu elemen seni reka. Ia adalah kesan titik-titik yang berlanjutan dan bertindak sebagai titik yang bergerak, dihasilkan menggunakan alat atau media seni lukis. Garisan terdapat dimana-mana sahaja samada yang terhasil secara semulajadi atau dihasilkan oleh manusia. Garisan mempunyai pelbagai jenis sifat dan identiti yang tersendiri serta memberi pengertian yang berbeza-beza. Jenis-jenis garisan ini juga merujuk kepada sifat-sifat fizikal sesuatu garisan itu seperti kasar, halus, panjang, pendek, lurus, bengkok, terang, gelap, tebal, putus dan sebagainya. Garisan juga mampu menyatakan sesuatu idea atau perasaan. Ia boleh bersifat statik atau aktif. Garisan menjelaskan secara visual sesuatu objek.Aplikasi pelbagai jenis garisan yang bersesuaian dapat mencipta rupa, jalinan, ton dan corak serta menimbulkan bentuk, ruang dan pergerakan.
Aliran-Aliran dalam seni visual
Aliran-aliran dalam seni visual
AliranNaturalisme
Naturalisme merupakan corak atau aliran dalam seni rupa yang berusaha melukiskan sesuatu objek sesuai dengan alam (nature). Objek yang digambarkan diungkapkan seperti mata melihat. Untuk memberikan kesan mirip diusahakan bentuk yang persis, ini ertinya , keseimbangan, perspektf, pewarnaan dan lainnya diusahakan setepat mungkin sesuai mata kita melihat.
Romantisme Lukisan aliran romantisme merupakan aliran ini berusaha membangkitkan kenangan romantis dan keindahan di setiap objeknya. Pemandangan alam adalah objek yang sering diambil sebagai latar belakang lukisan.Romantisme dirintis oleh pelukis-pelukis pada zaman penjajahan Belanda dan ditularkan kepada pelukis pribumi untuk tujuan koleksi dan galeri di zaman kolonial. Romantisme merupakan corak dalam seni rupa yang berusaha menampilkan hal-hal yang fantastik, irrasional, indah dan abstrak. Aliran ini melukiskan cerita-cerita romantis tentang tragedi yang dahsyat, kejadian dramatis yang biasa ditampilkan dalam cerita romah. Penggambaran objeknya lebih sedikit dari kenyataan, warna yang lebih meriah, gerakan yang lebih lincah, perwira yang lebih gagah, wanita yang lebih cantik dan sebagainya.
Adalah aliran yang cenderung melakukan usaha abstraksi terhadap objek ke dalam bentuk-bentuk geometri untuk mendapatkan sensasi tertentu. Prinsip dasar yang umum pada kubisme iaitu menggambarkan bentuk objek dengan cara memotong, distorsi, overlap, penyederhanaan, transparansi, deformasi, menyusun dan aneka tampak. Gerakan ini dimulai pada media lukisan dan patung melalui pendekatannya masing-masing. Bentuk- bentuk karyanya menggunakan bentuk geometri (segitiga, segiempat, kubus,lingkaran). Seniman kubisme sering menggunakan teknik kolaj, misalnya menampalkan potongan kertas surat khabar, gambar poster.
Realisme di dalam seni rupa bererti usaha menampilkan subjek dalam suatu karya sebagaimana tampil dalam kehidupan sehari-hari tanpa tambahan interpretasi tertentu. Maknanya,kita dapat mengacu kepada usaha dalam seni rupa untuk memperlihatkan kebenaran tanpa menyembunyikan hal yang buruk.
Selain daripada itu, realisme juga adalah suatu aliran yang mempunyai kecenderungan melukiskan segala sesuatu bahan atau persekitaran tanpa berusaha mengidealisasi alam, memperbaiki ataupun menyempurnakannya.
Jenis-jenis warna
Jenis-jenis warna dalam Seni Visual
Cat Air
Bahan warna dalam karya cat air ialah pewarna dalam bentuk kek atau tiub. Ia bersifat lut sinar, lembut dan boleh dibuat legap sekiranya cat air dari tiub. Cat air akan menjadi tebal sekiranya disapu berlapis-lapis. Bahantara yang digunakan ialah air. Kertas yang digunakan ialah kertas cat air. Berus yang sesuai digunakan untuk karya cat air ialah jenis lembut dan beraiz antara 000 hingga 14. Palet juga diperlukan untuk membancuh warna. Sebuah bekas seperti gelas atau botol yang bermulut lebar diperlukan untuk mengisi air bersih dan untuk mencuci berus.
Cat Poster
Cat poster boleh didapati dalam tiub atau botol. Ia mengandungi pengilat larut air dan bersifat legap. Bahantara yang digunakan ialah air. Berus yang digunakan untuk berkarya menggunakan cat poster ialah jenis lembut dan keras. Manakala kertas daripada jenis ‘cartridge’ yang tebal dan berpermukaan licin digunakan. Air yang bersih diperlukan untuk menghasilkan campuran warna.
Cat Tempera
Bahan warna berbentuk serbuk atau perekat dalam tiub yand=g sedia proses. Ia mengandungi bahan pengilat seperti kuning telur atau gam cecair. Untuk menghasilkan karya menggunakan cat tempera, alat dan bahan yang digunakan ialah berus jenis lembut atau keras, kertas tebal, kain kanvas atau papan. Biasanya teknik yang diaplikasikan ialah disapu mengikut lapisan yang nipis, jalur sapuan diselang-selikan supaya kesan warna rata dan licin.
Cat Minyak
Cat minyak telah diperoleh dalam bentuk tiup. Bahantara untuk menggunakan cat minyak ialah turpetine. Bahan pengilat yang boleh digunakan ialah minyak linsid, minyak poppy atau minyak kacang. Berus yang digunakan adalah jenis lembut dan keras, pisau palet, kekuda, kanvas, papan, kayu playwood dan kadbod. Teknik yang diaplikasikan ialah teknik lipasto, glazing, cat tepat atau hardedge, titik scumbling atau teknik melembut.
Amron Omar, satu lagi nama yang tidak asing dalam dunia seni tanahair...beliau yang terkenal dengan karya-karya figura yang realistik dan hebat...melanjutkan pengajian di Institut Teknologi Mara, Amron Omar merupakan salah seorang pelukis figura yang terbaik di asia...kebanyakan karya-karya beliau menggunaka bahan cat minyak di atas permukaan kanvas. 
Abdullah Ariff was born in Penang in 1904. He was a self-taught artist and was an art teacher at the Anglo-Chinese School,Penang (presently known as Methodist Boy's School). In the 1920s, there was no local art group and the only organised art group at that time consisted of expatriate Europeans (mostly English housewives ) who called themselves the " Penang Impressionists ". Asians were not allowed to join the exclusive group which was a reflection of the prevailing colonialistic imperialism then. However Abdullah Ariff was admitted into the group in the mid-30s because his services as an art instructor were needed. The " Penang Impressionists " disbanded before the beginning of the 2nd World War, never to be reformed.
Abdullah Ariff was acknowledged with Yong Mun Sen, as a pioneer of watercolour painting in Malaysia. He was especially well-known for his meticulous masterful handling of the medium. Compared to Mun Sen, his works are more 'European' in outlook and approach, and his paintings appear to have more crowded details. A dedicated teacher, he was well-respected amongst the artistic community in the northern states.
There was a break in his stay in Penang as he went to Kuala Lumpur in 1945 to work as a cartoonist for The Straits Echo. He returned to Penang in 1947 and became active in politics and was a committee member of UMNO. In 1955, he served as a city councillor and had the rare distinction of having a road in Penang named after him ( Jalan Abdullah Ariff ), an honour that no other artist in Malaysia has been accorded since. In 1955, he established the Ariff Advertising Agency.
In 1954, he held one-man shows at North Carolina, and the Mint Museum of Art at Charlotte, New York, U.S.A. In 1955, he participated in the "United Society of Artists" group exhibition at the galleries of the Royal Society of British Artists, London. There, he was elected to Fellowship of the Royal Society of Art (F.R.S.A.) England.
In 1956, he was invited to take part in "Le Salon" of the Society of French Artist at the galleries at Grand Palai des Champs-Elysees, France.
In 1957,one of his paintings was chosen as a personal gift to be presented to Tungku Abdul Rahman,Malaysia's first Prime Minister on the occasion of the Merdeka (Independence) celebrations.
Abdullah Ariff passed away in 1962, leaving behind a legacy of excellent watercolour paintings. According to one of his ex-student, Tan Lye Hoe, Abdullah Ariff's philosophy of art is "Art knows no barriers"
CREATIVE DRAWING
Creative Drawing
Drawing is often relegated to the planning and sketching phase of a painting, where its charms are covered up with another artform. But it can be very rewarding in its own right. There are a number of drawing techniques you can practice to improve your skills, but if you remember your school art classes, some of these can be a little boring. The creative part of practicing is engaging your imagination and making it fun for yourself.
Hatching and cross-hatching
The precise shading that hatching techniques produce are often used in pen/ink drawings like political cartoons and strip comics. Hatching is the drawing of many parallel lines close together, while cross-hatching is overlaying one set of parallel hatching with a set in the opposite direction. Choose a subject with plenty of shadow and practice these techniques by drawing only the dark areas using hatching lines of various distances about for light to medium shadows, and cross hatching for the very dark areas. Try to avoid drawing an outline so that you have to rely on translating the shadows that you see into a two-dimensional reproduction.
Shading
Pencil shading is more commonly used than hatching because far more tones can be produced by varying the softness and pressure of the pencil and the number of layers of shading. It is less precise than hatching and can be modified and manipulated more easily, and errors are easier to hide or erase. Practice shading by choosing a subject with plenty of curves, and light it strongly from one side.
Negative space
Another useful perspective to practice is viewing and capturing a subject purely in terms of the background space around it. Choose a subject such as a piece of furniture and place it against a contrasting wall. Block in the shapes of the wall where the items is “not”.
Different angles and perspectives
We can get too set in drawing a subject from the same angle. For example, choosing a cup to practice an elliptical shape and curved shading. How about turning the cup on its side or upside down? Choose a view of an object that is not usual so that you’re drawing less from your brain’s set knowledge and understanding of that item and forcing yourself to study and draw what you see.
Maksud Lukisan
Lukisan adalah karya seni yang proses pembuatannya dilakukan dengan meletakkan pewarna "pigmen" cair dalam pelarut (atau medium) dan agen pengikat (lem) kepada permukaan (penyangga) seperti kertas, kanvas atau dinding. Ini dilakukan oleh seorang pelukis; definisi ini digunakan terutamanya jika ia merupakan karyanya. Manusia telah melukis selama 6 kali lebih lama berbanding penggunaan tulisan. Sebagai contoh lukisan-lukisan yang berada di gua-gua tempat tinggal manusia pra sejarah.
Torrance (dalam Penick,1988:7) mengemukakan: ” Creativity is a process of becoming sensitive to problems, deficiencies, knoeledge, missing elements, disharmonies, identifying the difficulties; searching for solution, making guesses, or formulating hypotheses and possibly modifying them and retesting them; finally communicating the results.”Oleh itu, terdapat 7 tahap dalam proses kreatif iaitu indentity, vision, intent, insight, Engieneering, biulding dan using. Tahap ini saling bergantungan antara satu sama lain. Kreativiti bukanlah kata-kata mutiara yang eksklusif untuk sesuatu yang asing bagi manusia, kreativiti justeru merupakan suatu sisi dari manusia yang menandai “manusianya” seorang manusia. Kerana dengan kreativiti inilah maka manusia dapat berada pada kemajuan di berbagai bidang kehidupan seperti sekarang ini.
Tahap-tahap proses Kreatif.
Bertrand Russel (Gilhooly, 1982) menyatakan bahwa proses berpikir, termasuk berpikir kreatif, lebih bersifat bersifat instinktif, sama halnya dengan proses pencernaan. Dia menggambarkan bagaimana dia berhadapan dengan persoalannya kemudian mencari informasi yang relevan kemudian dia tinggalkan untuk mengurus persoalan lain, lalu sejalan dengan bergulirnya waktu dan keberuntungan dia menemukan jawaban persoalnnya. Russel seolah memandang proses kreatif berjalan tanpa langkah yang jelas, seolah datang secara tiba-tiba, secara otomatis.
Tidak sedikir para pemikir yang kurang lebih berpandangan sama dengan pandangan Russel di atas. Namun tentu saja orang tak akan pernah berhenti untuk mencari dan mencari keteraturan atau pola-pola yang mungkin dilalui seseorang dalam proses berpikir kreatif. Ini, dengan harapan bahawa di kemudian hari keterampilan berpikir kreatif dapat dikembangkan secara rasional tanpa menunggu datangnya anugerah untuk munculnya manusia-manusia kreatif. Graham Wallas setelah melihat pengalaman Henry Poincare dalam menemukan persamaan Fuchsian atau Kekule dalam proses menemukan struktur molekul benzena atau para pemikir lain, juga atas pengalaman dirinya sendiri melihat adanya pola teratur yang terjadi pada seseorang manakala dia melakukan pemikiran-pemikiran kreatif. Wallas mengungkapkan gagasan dalam buku “ The art of Though” bahawa proses pemecahan masalah (berpikir) kreatif melalui empat langkah pokok, yakni: tahap preparation), tahap inkubasi (incubation), tahap illuminasi (illumination, dan tahap verifikasi (verification).
Tahap-tahap proses Kreatif.
Bertrand Russel (Gilhooly, 1982) menyatakan bahwa proses berpikir, termasuk berpikir kreatif, lebih bersifat bersifat instinktif, sama halnya dengan proses pencernaan. Dia menggambarkan bagaimana dia berhadapan dengan persoalannya kemudian mencari informasi yang relevan kemudian dia tinggalkan untuk mengurus persoalan lain, lalu sejalan dengan bergulirnya waktu dan keberuntungan dia menemukan jawaban persoalnnya. Russel seolah memandang proses kreatif berjalan tanpa langkah yang jelas, seolah datang secara tiba-tiba, secara otomatis.
Tidak sedikir para pemikir yang kurang lebih berpandangan sama dengan pandangan Russel di atas. Namun tentu saja orang tak akan pernah berhenti untuk mencari dan mencari keteraturan atau pola-pola yang mungkin dilalui seseorang dalam proses berpikir kreatif. Ini, dengan harapan bahawa di kemudian hari keterampilan berpikir kreatif dapat dikembangkan secara rasional tanpa menunggu datangnya anugerah untuk munculnya manusia-manusia kreatif. Graham Wallas setelah melihat pengalaman Henry Poincare dalam menemukan persamaan Fuchsian atau Kekule dalam proses menemukan struktur molekul benzena atau para pemikir lain, juga atas pengalaman dirinya sendiri melihat adanya pola teratur yang terjadi pada seseorang manakala dia melakukan pemikiran-pemikiran kreatif. Wallas mengungkapkan gagasan dalam buku “ The art of Though” bahawa proses pemecahan masalah (berpikir) kreatif melalui empat langkah pokok, yakni: tahap preparation), tahap inkubasi (incubation), tahap illuminasi (illumination, dan tahap verifikasi (verification).
Wednesday, August 19, 2009
Sunday, July 26, 2009
Saturday, July 18, 2009
MENGENAL WARNA
WARNA ASAS/ WARNA PRIMER
Semua objek yang kita lihat di dunia ini adalah berasaskan kepada tiga warna-warna biru.kuning merah. Ketiga-tiga warna ini juga disebut warna asas dalam lukisan.
WARNA SEKUNDER
Warna sekunder deperolehi hasil daripada campuran dua warna asas. Warna jingga (oren) adalah hasil campuran warna mera dan kuning. Warna hijau pula ialah campuran daripada warna biru dan warna kuning. Warna ungu pula hasil daripada campuran warna biru dan mera.
WARNA TERTIER
Warna yang berada diantara warna primer dan warna sekunder adalah hasil campuran warna kuning- oren, mera –oren, biru- hijau, merah-ungu dan biru-ungu.
WARNA KOMPLIMENTARI
Warna-warna komplimentari terhasil dari berbagai campuran warna asas dengan warna sekunder. Banyak sedikitnya warna-warna campuran yang dicampur juga akan menghasilkan warna komplimentari yang berlainan.
TON WARNA
Ton warna atau nilai warna merupakan terang atau gelapnya sesuatu warna tu. Pada sebuah objek yang berwarna merah. Kita akan mendapati ada bahagian yang menampakan warna yang lebih gelap dan ada pula yang menampakan waran yang lebih cerah. Inilah yang dimaksudkan dengan nilai atau ton warna. Terdapat dua cara bagaimana kita boleh dapatkan ton warna yang berbeza pada suatu warna . cara yang pertama ialah mencampurkan warna putih untuk menghasilkan ton cerah dan warna hitam untuk menghasilkan ton yang gelap pada suatu warna itu. Warna yang bercampur air lebih banyak tonnya akan lebih cerah.
PERSPEKTIF WARNA
Perspektif warna menunjukan bagaimana warna sesuatu objek boleh berubah. Apabila jarak dan kedudukan berbeza. Umumnya objek pokok akan mempunyai warna yang berbeza jika dilukis pada jarak dekat dan jarak jauh. Pokok yang dekat ianya mempunyai kelihatan yang terang sementara yang jauh akan nampak lebih pudar dan lembut. Begitu juga terdapat perbzaan yang agak nyata antara warna objek seperti rumput yang lapang dengan rumput dikawasan bayangan. Seperti juga untuk mendapatkan nilai ton warna perspektif warna ini boleh dicapai dengan mencairkan warna itu dengan mencampurkan dengan terpenting bagi menipiskan sesuatu warna itu.
Ton warna dan perspektif warna adalah dua perkara yang sukar dipisahkan .Namun begitu sebuah lukisan warna yang menggunakan ton warna dan perspektif warna yang betul dan baik akan dapat menghasilkan sebuah lukisan yang hidup dan amat bermutu.
Friday, July 17, 2009
Leonardo di ser Piero da Vinci (April 15, 1452 – May 2, 1519) is sometimes referred to as an Italian polymath. A scientist, mathematician, engineer, inventor, anatomist, painter, sculptor, architect, musician, and writer. The Mona Lisa is Leonardo Da Vinci’s most famous work of art. Her enigmatic smile has generated a lot of interest both in and out of the artistic community
BENARKAH MONALISA TERCANTIK DIDUNIA?
Dari sudut manakah potret Monalisa itu dikatakan sebagai potret wanita tercantik di dunia?
Ramai pelukis dan penulis mengatakan bahawa senyum Monalisa yang cantik dan menawan, lebih-lebih lagi apabila dipandang dan ditenung lama-lama. Kata mereka senyuman Monalisa bagaikan senyuman orang hidup. Lirik matanya bagaikan hidup dan menawan kalbu. Jika ada orang yang menidakkan kecantikan potret Monalisa, maka dikatakan orang itu buta seni, tidak tahu menilai seni lukis.
Demikian pujian yang sering diberikan peminat seni lukis dan penulis terhadap potret Monalisa sejak beratus-ratus tahun lalu. Pujian itu tidak kurang juga diberikan penulis dan pelukis tanah air kita ini. Bahkan ada pelukis dan penulis kita yang menganggap potret Monalisa sebagai karya seni yang agung, bermutu tinggi dan tiada bandingannya.
Oleh kerana potret itu begitu terkenal, ada orang mengambil kesempatan mencetak dengan banyak dan acapkali dijual sebagai barang hiasan. Mereka menjadikan potret Monalisa sebagai barang dagangan. Begitu juga oleh kerana begitu taksub dan kagum, ada yang meletakkan potret Monalisa dalam bingkai gambar yang cantik dan mahal untuk dijadikan hiasan dalam rumah, sama ada di dalam bilik tetamu ataupun di bilik tidur. Ada yang sanggup membelinya dengan harga yang mahal walaupun mereka tahu lukisan itu(Cuma satu yang asli) tiruan atau fotokopi, bukan yang asal.
Potret Monalisa kini diletakkan di dalam muzium di negara kelahiran pelukisnya sendiri di Itali. Ia dijaga rapi dan diinsurankan pula dengan jutaan ringgit. Oleh sebab itulah harga potret Monalisa kian hari kian tinggi, mungkin mencecah hingga berpuluh-puluh juta ringgit.
Bagaimanakah potret Monalisa itu wujud?
Monalisa asalnya adalah dari nama orang yang benar-benar wujud. Dia lahir dan dibesarkan di sebuah bandar kecil bernama Florentine, Milan, Itali. Bandar ini terletak di kawasan berbukit-bukau dengan kegiatan ekonomi utamanya ketika itu ialah pertanian dan ternakan.
Beberapa tahun yang lepas, seorang profesor mendakwa dia menemui nota yang ditulis seorang pelukis terkenal, yang menyatakan bahawa potret Monalisa adalah hasil lukisan model terkenal bernama Isabela Gualandi, yang lahir dan dibesarkan di Naples, Itali pada tahun 1491. Isabela Gualandi dikatakan mempunyai hubungan dengan Giuilano de Medici saudara kandung Pope Leo ke-X.
Pendapat lain pula mengatakan bahawa Monalisa adalah isteri kedua saudagar Zanobi de Gloconda. Ada kemungkinan Zanobi de Gloconda ini dari kalangan orang Islam dengan berpandukan dua sebab. Pertama, nama Zanobi sendiri adalah seiras dengan nama orang Islam yang ramai terdapat di Itali, sama ada zaman Monalisa masih hidup, mahupun pada masa sekarang yang kebanyakannya sebagai ahli perniagaan. Kekuatan pemerintahan Islam di kawasan berkenaan pada zaman itu memang tidak dapat dinafikan. Keagungan Empayar Othmaniyah yang berpusat di Turki, berkembang hingga ke Balkan dan sekitar Itali serta di sepanyol amat terserlah.
Kemungkinan kedua, Zanobi dikatakan beragama Islam, kerana Monalisa ialah isteri keduanya. Amalan beristeri lebih daripada seorang (poligami) berlaku di kalangan orang Islam kerana Islam sajalah yang membenarkan umatnya berpoligami.
Zanobi de Glocondo menjemput Leonardo Da Vinci untuk melukis isteri keduanya itu yang dianggap perempuan tercantik di dunia pada zamannya. Ketika Leonardo belum terkenal sebagai pelukis, dia hanya pelukis amatur yang mendapat upah melukis secara kecil-kecilan. Hasil lukisannya dijual untuk menampung keperluan hidupnya yang tidak seberapa. Leonardo juga menjual lukisannya di kaki lima kedai kepada berminat.
Zanobi de Glocondo dan isterinya ketika itu sedang bersenang-senang di tempat peranginan di kaki pergunungan yang menjadi latar belakang potret Monalisa itu. Dia melihat Leonardo sedang melukis sesuatu, lantas dia meminta dilukis potret isterinya itu.
Lukisan potret Monalisa yang asal berukuran kira-kira 36 inci tinggi dan 20 inci lebar itu memperlihatkan keseluruhan muka, dengan rambut terurai menutupi sebahagian bahunya. Lehernya yang jinjang nampak jelas dengan sebahagian dadanya terbuka.
Sesungguhnya gambar ini amat berlawanan dengan nilai dan tradisi bukan sahaja masyarakat Islam, tetapi juga masyarakat Kristian pada masa itu yang masih kuat berpegang dengan nilai moral yang tinggi. Kebnyakan mereka berpakaian menutup aurat. Pada ketika itu semua wanita baik Islam mehupun bukan Islam, tidak berani mendedahkan aurat termasuk rambut.
Kini terdapat beberapa pelukis nakal
Terdapat juga Monalisa memakai seluar ‘Jean’ ketat dan ada potert Monalisa yang digambarkan dengan kaki terkangkang. Antara yang paling menarik ialah potret Monalisa dengan misai Hitler-tokoh orang yang paling kejam dan ganas dalam dunia menurut pandangan Barat.
Disamping itu, terdapat juga ahli perniagaan yang mengeksploitasi wajah dan nama Monalisa untuk melariskan barang jualan mereka seperti minyak wangi, seluar jean dan bedak
Bagaimanapun, mengapakah sehingga kini potret Monalisa begitu dikagumi manusia? Adakah dia wanita tercantik pada zaman itu jika dibandingkan dengan wanita lain? Atau banyak agenda yang perlu kita gali untuk mencari rahsia sebenarnya?
Asas Senireka Dalam PSV
Unsur Seni
Unsur seni terdiri daripada enam elemen asas yang penting dalam penggubahan sesuatu karya seni visual iaitu:
Garisan
Garisan ialah cantuman dari satu titik ke titik yang lain dengan mempunyai jarak-jarak tertentu. Aplikasi berbagai jenis garisan dapat mencipta rupa, jalinan, ton, corak serta menimbulkan gambaran bentuk, ruang dan gerakan dalam seni visual.
Rupa
Rupamesti mempunyai garisan luar (outline) dan sempadan yang mengelilinginya. Rupa ialah sesuatu kawasan yang berbeza dari ruang di sekeliling dan bersifat 2-D (tidak berjisim). Merupakan hasil pertemuan antara penghujung garisan dan permulaannya.
Bentuk
Bentuk mempunyai struktur jisim dan isipadu. Bentuk dapat dihasilkan melalui lukisan, catan, arca, komputer dan kraf tradisi. Terdapat 2 jenis bentuk iaitu bentuk konkrit dan ilusi. Bentuk konkrit ialah bentuk sebenar yang bersifat 3 dimensi. Bentuk ilusi ialah bentuk yang dilihat melalui gambar atau ilustrasi. Ianya bersifat rata dan boleh dihasilkan melalui lakaran, catan dan lukisan berkomputer 3 dimensi.
Jalinan
Jalinan merujuk kepada kesan yang terdapat pada permukaan sesuatu objek. Ia dapat menunjukkan kesan rasa dan ekspresi sesuatu objek kepada kita. Jalinan terbahagi kepada dua iaitu jalinan sentuh dan tampak. Jalinan sentuh ialah jalinan yang dapat dirasai melalui sentuhan, contohnya kulit buah durian (alam semula jadi) dan jahitan sulaman (alam buatan manusia). Jalinan tampak pula jenis jalinan yang hanya dapat dilihat tetapi tidak dapat dirasa melalui sentuhan.
Ruang
Ruang merupakan kawasan yang dikelilingi oleh garisan, atau kawasan kosong di sekeliling objek, atau jarak antara dua objek
Warna
Warna ialah pigmen pewarna kimia yang bertindak balas pada sesuatu permukaan. warna terbahagi kepada tiga kumpulan utama iaitu warna asas, warna sekunder dan warna tertier. Warna asas terdiri daripada warna biru, merah dan kuning; dan ianya boleh menghasilkan warna sekunder dan warna tertier. Warna sekunder pula terdiri daripada warna hijau, jingga dan ungu; dan dapat dihasilkan daripada campuran dua warna asas.
Sementara itu, warna tertier terhasil daripada percampuran warna asas dan sekunder.
Prinsip Rekaan
Harmoni
Harmoni wujud di alam sekeliling apabila munculnya susunan atau ulangan unsur-unsur seni mengikut cara atau gaya yang tertentu. Tujuan menghasilkan kesan harmoni adalah untuk menarik perhatian pada sesuatu gubahan, objek atau imej.
kontra
Kontra wujud apabila salah satu daripada unsur-unsur seni mempunyai ciri-ciri yang bertentangan di antara satu sama. Ianya bertujuan untuk menimbulkan kesan yang menarik pada sesebuah karya seni. Kontra berkait rapat dengan penegasan (semakin tinggi kadar kontra semakin jelas penegasan).
Penegasan
Penegasan ialah sesuatu yang boleh menarik perhatian dan tumpuan kepada pemerhatian tampak. Ianya berfungsi sebagai daya penarik, pemusatan karya, mengelak kebosanan dan menjadikan gubahan lebih menarik
Imbangan
Imbangan ialah keadaan gubahan yang sama sempadan, sama berat dan graviti, sama kecerahan warna, sama padan dan sama gaya penampilan.Terdapat tiga jenis imbangan iaitu imbangan simetri, tidak simetri dan imbangan semua arah.
Pergerakan
Pergerakan wujud apabila terdapatnya keadaan yang bergetar,bergoyang, bergegar,
berayun, bersinar-sinar dan sebagainya. Pergerakan bertujuan untuk memberi ‘nyawa’, rupa dan bentuk visual dalam seni tampak dua dimensi.
Kepelbagaian
Kepelbagaian merupakan keadaan penggabungan pelbagai gaya, nilai dan idea yang berbeza. Susunan atau ulangan unsur-unsur seni yang bertentangan arah dan berbeza saiznya akan mewujudkan kepelbagaian.
Kesatuan
Kesatuan merupakan olahan motif atau ulangan unsur-unsur seni secara sistematik, berpandukan grid berdasarkan tema atau idea sesuatu hasil karya. Susun atur yang kemas, teratur, lengkap dan sempurna dapat mewujudkan kesatuan.
